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| Cartel de Sarah Bernhardt en Gismonda, de Mucha |
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| Friso de Beethoven, de Klimt. |
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| Melancolía, de Georges de Feure. |
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| Nueva generación, de Jan Toorop |
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| Café Montmartre, deSantiago Rusiñol |
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| Au Moulin de la Galette, deRamón Casas |
miércoles, 7 de diciembre de 2011
Pintura Modernista
En contraposición tanto al academicismo como alimpresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo), entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo, muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops, Gustave Moreau, Odilon Redon-). Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha considerado precedente del expresionismo posterior), ambas cosas ya presentes en autores postimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas de las artes gráficas, con las que están estrechamente identificadas, así como con el cartelismo y la reproducción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y apaisados.
El Modernismo musical, como el arquitectónico y artístico en
general se desarrolló básicamente entre los años 1890 y 1920. Sus orígenes son
también comunes y se sitúan en Inglaterra, entre los años 1850-1880 (ver Modernismo).
Igual que en los otros artes, el Modernismo se manifiesta en la música por la libertad que aporta a la creación artística, buscando la autenticidad por encima de la belleza. Esto hace que los músicos que siguen esta tendencia se interesen extraordinariamente por la música popular y folclórica - Albéniz, Granados Nicolau y Morera en especial -. En Cataluña en particular, también hallamos otro factor distintivo que es el sentimiento nacionalista de las composiciones: Millet con "El cant de la Senyera" - "El Canto de la Senyera" (la bandera nacional catalana), a título de ejemplo.
También debe citarse como uno de los factores característicos, lo que se calificó como Wagnerismo - influencia de la obra de Wagner - que es evidente en la obra de algunos de los compositores y que fue muy viva en Cataluña durante el primer cuarto del siglo XX, hasta el punto de que Barcelona se consideraba una de las ciudades mas "wagnerianas" del mundo.
El Modernismo musical, a pesar de todo, no tiene un componente de escuela y los músicos se clasifican mas como modernistas por la época en que desarrollaron su actividad, que porque se auto incluyesen dentro del movimiento, con la excepción de Morera cuya adscripción al Modernismo es evidente, ya que como es sabido, se sintió fuertemente implicado. Recordemos su participación muy activa en las Fiestas modernistas que organizó Santiago Rusiñol en Sitges. También fue muy activa la presencia de músicos en las reuniones que los modernistas hacían en los "Quatre gats".
Esta falta de una escuela declaradamente modernista, hace que los criterios para incluir o no a algunos compositores dentro del modernismo sean a veces divergentes. Así, algunos autores incluyen también a músicos como Josep Anselm Clavé - muerto en 1874, por lo tanto con anterioridad a la eclosión del movimiento - quizás por su obra en favor de la música popular que permitiría clasificarle como pre-modernista, Antoni Massana, Eduard Toldrà y otros
Igual que en los otros artes, el Modernismo se manifiesta en la música por la libertad que aporta a la creación artística, buscando la autenticidad por encima de la belleza. Esto hace que los músicos que siguen esta tendencia se interesen extraordinariamente por la música popular y folclórica - Albéniz, Granados Nicolau y Morera en especial -. En Cataluña en particular, también hallamos otro factor distintivo que es el sentimiento nacionalista de las composiciones: Millet con "El cant de la Senyera" - "El Canto de la Senyera" (la bandera nacional catalana), a título de ejemplo.
También debe citarse como uno de los factores característicos, lo que se calificó como Wagnerismo - influencia de la obra de Wagner - que es evidente en la obra de algunos de los compositores y que fue muy viva en Cataluña durante el primer cuarto del siglo XX, hasta el punto de que Barcelona se consideraba una de las ciudades mas "wagnerianas" del mundo.
El Modernismo musical, a pesar de todo, no tiene un componente de escuela y los músicos se clasifican mas como modernistas por la época en que desarrollaron su actividad, que porque se auto incluyesen dentro del movimiento, con la excepción de Morera cuya adscripción al Modernismo es evidente, ya que como es sabido, se sintió fuertemente implicado. Recordemos su participación muy activa en las Fiestas modernistas que organizó Santiago Rusiñol en Sitges. También fue muy activa la presencia de músicos en las reuniones que los modernistas hacían en los "Quatre gats".
Esta falta de una escuela declaradamente modernista, hace que los criterios para incluir o no a algunos compositores dentro del modernismo sean a veces divergentes. Así, algunos autores incluyen también a músicos como Josep Anselm Clavé - muerto en 1874, por lo tanto con anterioridad a la eclosión del movimiento - quizás por su obra en favor de la música popular que permitiría clasificarle como pre-modernista, Antoni Massana, Eduard Toldrà y otros
Art Nouveau on music
Art Nouveau en las Artes Graficas
El modernismo se extendió de manera muy profusa en las
artes
gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches
publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles
decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de
imprenta.
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Cartel publicitario
para el impresor
Champenois,
de Alfonso Mucha
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| Portada de Ver Sacrum, de Kolo Moser |
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Cartel publicitario
para Le chat noir,
de Steinlein.
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La recompensa de la bailarina
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Arquitectura e interiores
arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. Gaudí fue el creador de una nueva arquitectura basada en las líneas curvas. Experimentó estructuras y nuevas formas de una manera continuada. Por este motivo, prefería desarrollar sus ideas a escala y en forma corpórea. La tridimensionalidad de sus maquetas en yeso, barro, tela metálica, o cartón mojado y moldeado, le acompañaron siempre. Sus ideas "corpóreas", en muchas ocasiones, no fueron sometidas a la limitación que obligan las dos dimensiones del papel de dibujo. A veces modificaba las formas directamente en la obra, en el momento de la realización.
La Sagrada Familia
La obra más conocida de Antoni Gaudí, ni fue iniciada por él, ni evidentemente pudo acabarla. A la edad de 31 años se hizo cargo de la dirección de las obras de este Templo, tras la dimisión del arquitecto inicial Francisco de Paula Villar, cuando ya se había construido una parte de la cripta subterránea.
Gaudí cambió radicalmente el primer proyecto sustituyéndolo por uno propio, mucho más ambicioso, original y atrevido que el inicial.
Casa Batlló
Lo que en principio era una simple reforma de un edificio ya construido, dio la oportunidad a Gaudí
de crear una de sus más poéticas y decorativas obras. La fachada, ondulada verticalmente, está revestida de fragmentos de vidrio y cerámica de diferentes colores, que le dan un aspecto iridiscente.
El propio Gaudí, como quien pinta un cuadro gigantesco, fue indicando a los operarios, desde la calle, la distribución de los diferentes fragmentos y colores.
Parque Güell
Eusebi Güell, empresario, político y miembro de una prestigiosa familia de la alta burguesía catalana, fue para Gaudí un verdadero mecenas. Gracias a él pudo realizar varias obras, entre ellas el Parque Güell, donde su creatividad pudo ser desarrollada con absoluta libertad.
El proyecto inicial consistía en construir una modélica urbanización de lujo en las afueras de Barcelona. Esta fastuosa ciudad-jardín estaba prevista para 60 viviendas unifamiliares. Aunque Gaudí volcó en esta obra, una vez más, su prodigiosa fantasía, el proyecto resultó un estrepitoso fracaso comercial. Sólo se vendieron dos parcelas. Gracias a esta falta de aceptación, años después, esta zona se convirtió en un parque público de Barcelona.
Casa Holtz
Esta casa esta ubicada en las Lomas de Chapultepec, en la ciudad de México. El ingeniero Holtz y su esposa , crearon la casa Art Nouveau más grande del mundo.
Otros edificios Art Nouveau
La casa Tassel
El primer edificio que refleja el código- estilo del Art Nouveau fue esta vivienda unifamiliar construida en Bruselas por Víctor Horta en 1893. La estructura es de esqueleto metálico, totalmente visible en el interior, mientras que en la fachada se pone de manifiesto solo en la parte acristalada. La fachada principal repite como elemento dominante el bow-window de las casas contiguas. Sin embargo se diferencia por si desarrollo curvilíneo. En la fachada se presentan elementos poco comunes, como superficies onduladas y el curioso diseño de la balaustrada.
En el interior se manifiesta más claramente la nueva tendencia decorativa. Un nuevo sistema unitario liga los elementos estructurales con los visuales, principalmente en la escalera, que muestra su armazón metálico. De ella se desprenden molduras curvilíneas de hierro que forman las barandas y decoraciones. A estas decoraciones corresponden los diseños de las vidrieras y de los mosaicos del pavimento. Así, la articulación cóncavo- convexa del Art Nouveau esta presente en la escalera, en el espacio de ésta, y en los puntos serpenteantes del mosaico. Se considera la primera obra moderna libre de derivaciones historicistas. La primera construcción donde adquiere un significado expresivo la nueva técnica del uso del hierro.
El primer edificio que refleja el código- estilo del Art Nouveau fue esta vivienda unifamiliar construida en Bruselas por Víctor Horta en 1893. La estructura es de esqueleto metálico, totalmente visible en el interior, mientras que en la fachada se pone de manifiesto solo en la parte acristalada. La fachada principal repite como elemento dominante el bow-window de las casas contiguas. Sin embargo se diferencia por si desarrollo curvilíneo. En la fachada se presentan elementos poco comunes, como superficies onduladas y el curioso diseño de la balaustrada.
En el interior se manifiesta más claramente la nueva tendencia decorativa. Un nuevo sistema unitario liga los elementos estructurales con los visuales, principalmente en la escalera, que muestra su armazón metálico. De ella se desprenden molduras curvilíneas de hierro que forman las barandas y decoraciones. A estas decoraciones corresponden los diseños de las vidrieras y de los mosaicos del pavimento. Así, la articulación cóncavo- convexa del Art Nouveau esta presente en la escalera, en el espacio de ésta, y en los puntos serpenteantes del mosaico. Se considera la primera obra moderna libre de derivaciones historicistas. La primera construcción donde adquiere un significado expresivo la nueva técnica del uso del hierro.
La Maison du Peuple
El edificio Sociedad Cooperativa Obrera de Bruselas que construyó Víctor Horta debía satisfacer tres funciones principales: una política, una comercial y una recreativa. La forma del edificio estaba determinada por la forma del terreno. La entrada principal del edificio estaba en la esquina, al lado de la parte cóncava. A la entrada seguía el vestíbulo, y en el fondo la escalera, elemento de continuación visual de todas las plantas, que llegaban a cuatro.
El edificio disponía de una estructura metálica. Puede notarse en el edificio una simplificación de abajo hacia arriba.
En el edificio se destacan dos ambientes, la sala de café y el auditorio.
Debido a la afluencia de gente, el café tenía tres accesos, y gran flexibilidad.
Era una lugar de planta libre rodeado por vidrieras. Esto llevaba a cabo el ideal de máxima permeabilidad visual entre interior y exterior que alentará gran parte de las obras del Movimiento Moderna.
El auditorio ocupaba los últimos dos pisos del edificio. En este ambiente la percepción general estaba confiada en los elementos lineales, como las montantes, ménsulas, vigas y barandas, y no a las regulares paredes. Las paredes estaban subordinadas a la figura estructural de la sección transversal.
La línea y el plano se fundían en el techo. Este resultaba modelado en forma cóncavo convexa.
El desarrollo de la cubierta del auditorio parece volver a proponer en el interior el de la fachada principal.
La simetría general se obtiene por la existencia de tantas asimetrías parciales. A diferencia de los edificios construidos hasta el momento, en éste todos los ambientes internos se ponen en manifiesto. Todo debe ser claro y comunicativo, tanto en el interior, totalmente permeable a la luz y accesible a todos, como el exterior, que refleja todas las formas y funciones internas.
El edificio Sociedad Cooperativa Obrera de Bruselas que construyó Víctor Horta debía satisfacer tres funciones principales: una política, una comercial y una recreativa. La forma del edificio estaba determinada por la forma del terreno. La entrada principal del edificio estaba en la esquina, al lado de la parte cóncava. A la entrada seguía el vestíbulo, y en el fondo la escalera, elemento de continuación visual de todas las plantas, que llegaban a cuatro.
El edificio disponía de una estructura metálica. Puede notarse en el edificio una simplificación de abajo hacia arriba.
En el edificio se destacan dos ambientes, la sala de café y el auditorio.
Debido a la afluencia de gente, el café tenía tres accesos, y gran flexibilidad.
Era una lugar de planta libre rodeado por vidrieras. Esto llevaba a cabo el ideal de máxima permeabilidad visual entre interior y exterior que alentará gran parte de las obras del Movimiento Moderna.
El auditorio ocupaba los últimos dos pisos del edificio. En este ambiente la percepción general estaba confiada en los elementos lineales, como las montantes, ménsulas, vigas y barandas, y no a las regulares paredes. Las paredes estaban subordinadas a la figura estructural de la sección transversal.
La línea y el plano se fundían en el techo. Este resultaba modelado en forma cóncavo convexa.
El desarrollo de la cubierta del auditorio parece volver a proponer en el interior el de la fachada principal.
La simetría general se obtiene por la existencia de tantas asimetrías parciales. A diferencia de los edificios construidos hasta el momento, en éste todos los ambientes internos se ponen en manifiesto. Todo debe ser claro y comunicativo, tanto en el interior, totalmente permeable a la luz y accesible a todos, como el exterior, que refleja todas las formas y funciones internas.
La escuela de arte de Glasgow
Otra obra paradigmática del estilo Art Nouveau, en su versión abstracto geométrica, es la escuela que construye Charles MacKintosh en 1898. El edificio presenta un esquema planimétrico muy lineal. A los lados del vestíbulo de entrada se agrupan tres y cuatro aulas. Esta asimetría denuncia una de las búsquedas de MacKintosh en su arquitectura. La fachada principal está definida por las grandes ventanas de las aulas, que se abren en un continuo paramento de piedra, cargadas de elementos plásticos. Siguiendo el gusto por lo plano, la coronación del edificio consiste en una gran cornisa de losas en voladizo. De esta sencillez geométrica sobresale el cuerpo macizo central, inspirado en la vieja arquitectura escocesa.
Otra obra paradigmática del estilo Art Nouveau, en su versión abstracto geométrica, es la escuela que construye Charles MacKintosh en 1898. El edificio presenta un esquema planimétrico muy lineal. A los lados del vestíbulo de entrada se agrupan tres y cuatro aulas. Esta asimetría denuncia una de las búsquedas de MacKintosh en su arquitectura. La fachada principal está definida por las grandes ventanas de las aulas, que se abren en un continuo paramento de piedra, cargadas de elementos plásticos. Siguiendo el gusto por lo plano, la coronación del edificio consiste en una gran cornisa de losas en voladizo. De esta sencillez geométrica sobresale el cuerpo macizo central, inspirado en la vieja arquitectura escocesa.
La casa Milá
Una obra paradigmática de una tercera variante del Art Nouveau hay que referirse a la casa Milá de Gaudí. Construida en Barcelona entre 1905 y 1910, este edificio de viviendas tiene cinco pisos. Presenta en la planta dos grandes patios internos, tres cajas de escaleras, y dos recintos para iluminación de los locales de servicio. Tanto en la planta como en los alzados predominan las líneas cóncavo convexas. El autor tiene gran capacidad para normalizar cada uno de los ambientes conservando la sucesión de líneas ondulantes de la fachada. La variedad de la fachada y la volumetría compleja le es permitida por su genial uso de la técnica. La construcción se apoya en pilares de gruesos bloques de piedra caliza y en vigas de hierro. La cubierta del edificio es una prueba más de su inmensa imaginación y su excepcional habilidad técnica.
La casa se puede leer como una sucesión de planos y líneas. Gaudí decide terminar el muro de la fachada sin ningún tipo de coronación, prolongándolo por encima del plano de la terraza. Y culmina con las líneas ondulantes del desván. , que a su vez remata con una serie de torretas y chimeneas, de gran valor plástico, recubiertas con cerámicas.
Casa Requena
Sin duda alguna, uno de los mejores ejemplos que existen para ilustrar el gusto y la aceptación que tuvo el Art Nouveau en México son los muebles de la Casa Requena. Hacia 1905, esta mansión, ubicada en la calle de Santa Veracruz no. 43, fue completamente decorada y amueblada en el estilo Art nouveau por su dueño, José Luis Requena, con la ayuda del artista catalán Ramón P. Cantó y unos artesanos mexicanos. Hoy en día, gran parte del ajuar de esa casa se encuentra expuesto en el Museo Quinta Gameros de Chihuahua
Art Nouveau en diseño de interiores
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Gustave Serrurier-Bovy |
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| Barandilla del hotel Solvay |
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Tirador de puerta.
Múnich, 30 de mayo de 1896
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Louis Comfort Tiffany |
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Louis Comfort Tiffany |
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Louis Majorelle |
Características del modernismo:
Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero
con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazándose con el motivo central.
Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración.
Tendencia a la estilización de
los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente
realista.
Uso de imágenes
femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de
las ondas en los
cabellos y los pliegues de las
vestimentas (drapeado).
Actitud tendente a la
sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.
Libertad en el uso de
motivos de
tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o
con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.
Aplicación envolvente
del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en
contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El
elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que
decora.
La derivación de estas características del modernismo
o Art nouveau en la década de
1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene
características marcadamente diferentes.
La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en francés) no se refiere
a este movimiento artístico, sino genéricamente a las vanguardias o al arte moderno, dentro de lo polisémico de ambos conceptos.
Modernismo
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Anuncio aparecido en
Les Dessous Élégants 1904.
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Primer número de Jugend,
Múnich, 30 de mayo de 1896
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| Ex libris diseñado por Kolo Moser. |
Modernismo es el término con el que (en España e Hispanoamérica) se designa a una corriente de
renovación artística desarrollada a
finales del siglo XIX y principios del XX (el periodo denominado fin de siècle y belle époque).
En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en los países
anglosajones), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países
nórdicos), Nieuwe
Kunst (en Países Bajos), Liberty
o Floreale (en Italia).
Todas
estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que
representara una ruptura con los
estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como
los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva
que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban
novedades derivadas de la revolución industrial, como el
hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo XIX.
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| Alphonse Mucha – Summer |
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| Gustav Klimt – The Kiss |
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| Jules Chéret – Quinquina dubonnet |
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| Virginia Frances Sterrett – Persephone |
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